I 26 film di Martin Scorsese, classificati dal peggiore al migliore

I 26 film di Martin Scorsese, classificati dal meno buono al più buono

<img alt=”Persone, Evento, Fotografia, Impiegato, Pollice, Film, Mondo, Turismo, Fotomontaggio, Gesto” src=”https://fashion.miximages.com/hips.hearstapps.com/hmg-prod/images/index-2-1574802221.jpg?crop=1.00xw:1.00xh;0,0&resize=640:*” title=”Persone, Evento, Fotografia, Impiegato, Pollice, Film, Mondo, Turismo, Fotomontaggio, Gesto”/><figcaption>Shutterstock</figcaption><p>Ah, l’odore della colpa cattolica e del condimento in prigione è nell’aria! Può significare solo una cosa, cari cinefili: un nuovo film di Martin Scorsese è appena arrivato al cinema. Questa volta si tratta di Killers of the Flower Moon, che si basa sul libro del 2017 di David Grann, Killers of the Flower Moon: The Osage Murders and the Birth of the FBI. Flower Moon è uno dei migliori e, sorprendentemente, dei film più essenziali che il regista ottantenne abbia mai realizzato. Ti consigliamo vivamente di riservare le necessarie tre ore e mezza per vederlo, disidratazione a parte.</p><p>Per celebrare l’occasione, abbiamo classificato i film del regista, dal peggiore al migliore. Una nota importante prima di iniziare il tuo viaggio attraverso l’universo di Scorsese: questa lista include solo i suoi film narrativi. Quindi, non troverai i suoi documentari altrettanto fantastici, video musicali e spot pubblicitari (con protagonista Timothée Chalamet!) qui.</p><h2>26. Boxcar Bertha (1972)</h2><a href=”youtube.com”>Visualizza l’intero post su Youtube</a><p>Caro coraggioso studente di cinema: Il giorno in cui Martin Scorsese viene menzionato nel tuo seminario di “Introduzione al Cinema” e il professore apre il dibattito alle domande, sappi che citare Boxcar Bertha come uno dei cinque migliori film di Scorsese è il modo più rapido per diventare quello presuntuoso. Boxcar Bertha è un’adattamento libero del romanzo Sister of the Road, che racconta una storia d’amore alla Bonnie and Clyde tra due rapinatori di treni. Naturalmente, puoi prendere momenti dal film che mostrano ciò che Scorsese sarebbe diventato in seguito, ma è pieno di criminali tormentati e spargimenti di sangue (e non proprio, sai, nel modo di pensare di Scorsese). —Brady Langmann</p><p></p><h2>25. New York, New York (1977)</h2><a href=”youtube.com”>Visualizza l’intero post su Youtube</a><p>Gli anni ’70 stavano finendo e il movimento della cosiddetta New Wave americana era sull’orlo di un completo crollo. Dopo il successo spettacolare di Taxi Driver, Scorsese e De Niro erano all’apice del loro influenza. Scorsese, un cinefilo ben noto e amante dei musical cinematografici degli anni ’50, decise di affrontare la sfida apparentemente impossibile di aggiornare il genere musicale per l’era del cinema verité degli anni ’70. E così è stato New York, New York – un noir musicale che era a metà Fred Astaire e a metà Mean Streets. È la versione di Scorsese di A Star is Born. E ragazzi, è stato un disastro al suo tempo. Oltre a sforare di molto il budget, pieno di problemi legati alla droga sul set e scandali, gli storici del cinema citano frequentemente produzioni come New York, New York come una catastrofe autoriale autoindulgente che ha segnato la fine dell’era del cinema americano in cui i registi, non i produttori, avevano completezza divina sulla produzione. Alla fine, New York, New York, una dimostrazione di forza per Liza Minelli, resta uno degli esperimenti più strani nella storia del cinema americano. Che ti piaccia o no, il film si è dimostrato duraturamente rilevante: la canzone “Theme from New York, New York” è stata scritta appositamente per questo film. —Dom Nero</p>

24. Il colore dei soldi (1986)

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Un’altra scelta strana della corsa di Scorsese negli anni ’80, Il colore dei soldi è l’unico sequel del regista. È anche l’unico momento in cui l’auteur ha continuato la storia di un altro regista. Ma ciò non significa che non sia autenticamente Scorsese come tutti gli altri film di questa lista. Con Tom Cruise e Paul Newman come protagonisti, questo seguito del famoso noir sui biliardi del gioco d’azzardo, The Hustler, è uno dei film più viziosi e violenti del regista. Solo non nel senso di sangue e budella. Pieno di colpi di montaggio percussivi e montaggi di colpi di stecca da biliardo, la battaglia sottotestuale per la dominanza alfa tra l’anziano imbroglione Newman e il giovane stallone Cruise potrebbe essere tranquillamente il secondo film sul pugilato di Scorsese. A differenza di alcuni dei progetti più audaci ed sperimentali di Scorsese, Il colore dei soldi è solo divertente da guardare. —DN

23. Chi bussa alla mia porta (1967)

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Ha senso che la carriera di Scorsese inizi con un’indagine così diretta di una teoria freudiana. Per dirla chiaramente: i personaggi maschili nei film di Scorsese, da Jake LaMotta in Toro scatenato a Travis Bickle in Taxi Driver, mancano della capacità di mantenere una relazione funzionale con le donne perché il loro desiderio di un partner sessualmente liberato (nelle parole di Freud, una “puttana”) è in diretta contraddizione con il loro desiderio di una ragazza verginale (la Madonna, o la Vergine Madre di Dio). Chi bussa alla mia porta segue questo schema in modo abbastanza esplicito, con il personaggio cattolico romano interpretato da Harvey Keitel che soffre per il fatto che la sua ragazza aveva perso la verginità molto prima dell’inizio della loro relazione. Il film iniziò come un progetto universitario all’NYU, e si può capire. Molte delle caratteristiche distintive di Scorsese che sono in mostra sembrano fresche, sperimentali e poco raffinate. Ma è un debutto impressionante per una carriera che si sarebbe protratta per decenni. —DN

22. Gangs of New York (2002)

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Anche se potresti non ricordare tutti i punti in sospeso di questo epico poliziesco del XIX secolo che abbraccia molti territori, è impossibile dimenticare quasi ogni scena in cui Daniel Day-Lewis appare sullo schermo. C’è il suo monologo sulla paura, avvolto nella bandiera americana, o il suo discorso su come uccidere, mentre conficca un coltello in un maiale impiccato. I set e i costumi sono bellissimi, Leo è il classico Leo dei primi anni 2000, ma il film non funziona in modo così coeso come solo un maestro della narrazione tecnica come Scorsese riesce normalmente a ottenere. Vale la pena rivederlo, ma meglio ancora, cerca alcune delle migliori scene di Day-Lewis su YouTube. —Matt Miller

21. Vite al limite (1999)

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C’è un’urgenza esaltante in Vite al limite, che è ancora più impressionante considerando che è il racconto di un paramedico (Nicolas Cage) in movimento perpetuo che tuttavia esiste in uno stato allucinatorio di purgatorio, spesso impotente nel fare altro che confortare i feriti e i moribondi che tratta. Ambientato nel corso di tre giorni nell’Hell’s Kitchen di New York, il prezioso gioiello del 1999 di Scorsese è un vortice di luci rosse lampeggianti, vapore che fuoriesce dalle griglie dei tombini e gli occhi affossati di Cage, che osservano tutto con una dose pari di empatia, miseria e disperazione. Lavorando sulla sceneggiatura tagliente ed inquietante di Paul Schrader, Scorsese e Cage dimostrano di essere una coppia armoniosa, utilizzando immagini e gesti per suggerire un mondo infernale in cui il conforto è raro e le risposte sono poche – e in cui lottare per fare del proprio meglio, per il più a lungo possibile, è l’unica strada possibile. –Nick Schager

20. Kundun (1997)

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Sebbene sia il film di Scorsese più apertamente spirituale dopo L’ultima tentazione di Cristo, Kundun non è esattamente un accompagnamento, dal momento che non tratta il suo oggetto – il 14° Dalai Lama – come un individuo tormentato da passioni, dubbi e altre emozioni comprensibili, ma piuttosto come una divinità vera e propria (o, meglio, la reincarnazione di uno spirito divino). Questo è probabilmente il più grande difetto di questo film del 1997, che spinge la sua storia in territorio agiografico dal quale non può sfuggire. Il desiderio del regista di illuminazione e la sua connessione con Dio sono sinceri e palpabili in una serie di sequenze illuminate dalla sublime cinematografia di Roger Deakins e dalla altrettanto estatica colonna sonora di Philip Glass. Tuttavia, si tratta di un raro film di Scorsese privo di energia narrativa o tensione, che lo rende un’epopea splendidamente realizzata ma che non lascia un’impressione duratura sulla mente o sul cuore. –NS

19. Hugo (2011)

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Dopo decenni passati a esplorare gangster, mitra Thompson e uomini duri tormentati, Scorsese si è dedicato a un nuovo tipo di eroe ai primi anni 2010 – Hugo Cabaret, il dodicenne riparatore di orologi che intraprende un’avventura dopo la morte di suo padre. Girato in 3D (una grande novità dopo Avatar!), Hugo è una delle più grandi digressioni di Scorsese dal suo stile tipico. È pieno di cose che non associ normalmente a un film di Scorsese, e in questo caso è ancora meglio: pieno di meraviglia infantile, set mozzafiato e performance gioiose dei suoi protagonisti. E probabilmente è stato l’unico trailer in cui c’è una colonna sonora degli 30 Seconds to Mars. – BL

18. L’ultima tentazione di Cristo (1988)

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Il regista cattolico romano ha affrontato il cattolicesimo per tutta la sua carriera. Da “Chi sta bussando alla mia porta” a “Silence”, la storia di Gesù Cristo ha influenzato quasi tutti i film di Scorsese, con il regista che cerca costantemente di conciliare la Crocifissione e il “peccato originale” della religione cattolica attraverso i suoi protagonisti maschili tormentati. Ci ha mostrato personaggi auto-punitivi come Jake LaMotta e Travis Bickle in precedenza, ma nel 1988, Scorsese finalmente ha potuto inchiodare il chiodo sulla vera croce – in “L’ultima tentazione”, ha adattato la storia di Gesù Cristo. E la Chiesa cattolica non è stata felice al riguardo. Un film che ha cercato di fare fin dall’inizio della sua carriera, la produzione sovversiva è stata protestata in modo aggressivo, con un teatro di Parigi che è addirittura stato incendiato a causa dei temi sessuali incendiari. Tuttavia, a conti fatti, “L’ultima tentazione” è uno dei film più pii che Scorsese abbia mai realizzato. I cattolici erano scontenti che Scorsese immaginasse la prostituta Maria Maddalena come l’amante di Gesù, cosa che hanno visto come blasfemia. Ma più di ogni altra versione cinematografica del mito cattolico, il film di Scorsese ha il coraggio di raffigurare Gesù come un vero uomo. Un uomo, che è altrettanto sensibile, arrabbiato e capace di amare come il resto di noi. Succede solo che lui è anche il figlio di Dio. Come mostra “L’ultima tentazione”, l’imperfezione dell’umanità di Gesù, non l’infallibilità di Dio, è ciò che sta al centro della parabola del Nuovo Testamento. – DN

17. Alice non abita più qui (1973)

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Uno dei film meno citati di Scorsese è anche uno dei suoi più affascinanti e umani. A differenza dei film esplosivamente violenti per i quali il regista è diventato famoso, “Alice”, interpretato da Ellen Burstyn, è intimo e tenero. La pericolosa storia di una madre single sfortunata con un figlio preadolescente nel sud-ovest, il film presenta un notevole esordio iniziale di carriera di Kris Kristofferson. Sorprendentemente lungimirante per l’epoca, la performance di Burstyn è una delle sue migliori, che le ha meritatamente valso il premio Oscar come migliore attrice nel 1975. – DN

16. Shutter Island (2010)

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La storia di “Shutter Island” su un maresciallo federale (Leonardo DiCaprio) che, mentre cerca un paziente scomparso, rimane intrappolato in un ospedale sull’isola per criminali mentali, è relativamente leggera rispetto alle epiche di Scorsese. Ma questo thriller riesce comunque a essere completamente oppressivo, grazie alla sua messa in scena claustrofobica e profondamente ansiosa, e alla devastante interpretazione di DiCaprio. Il cast di supporto, che include Ben Kingsley e Mark Ruffalo, è perfetto. E sì, c’è una grande e un po’ kitsch svolta su cui si basa l’intero film, ma non nega tutto ciò che è venuto prima o rende il film troppo noioso per una seconda visione. Anzi, lo rende ancora più straziante. – GB

15. L’età dell’innocenza (1993)

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Scambiando le strade violente gestite dalla mafia dei Cinque Quartieri con le sale di disegno dorate della New York City degli anni ’70, Martin Scorsese continua a tracciare i rituali e i codici delle subculture rigide de “L’età dell’innocenza”, la sua raffinata e magnifica trasposizione del celebre romanzo del 1920 di Edith Warton. La storia di Newland Archer (Daniel Day-Lewis), fidanzato con la decorosa May Welland (Winona Ryder) ma affascinato dallo spirito indipendente di Ellen Olenska (Michelle Pfeiffer), parla di norme sociali, ribellione all’establishment e del potere distruttivo di una passione irresistibile. Sebbene qui non ci siano violenze esplicite, c’è comunque un dolore e una tristezza immensa, che Scorsese segue con mano sicura e delicata, rivelando livelli di desiderio, frustrazione e dolore attraverso precise composizioni formali. Inoltre, riesce a ottenere interpretazioni da Day-Lewis e Pfeiffer che, segnate da un tumulto emotivo sia specifico che universale, sono solo migliorate nel corso degli anni. – NS

14. Cape Fear (1991)

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Robert De Niro si scatena nella versione del 1991 diretta da Scorsese del thriller del 1962 di J. Lee Thompson, che narra la storia di un violentatore condannato che, dopo essere uscito di prigione, si dedica a terrorizzare l’avvocato difensore (Nick Nolte) che ritiene responsabile della sua incarcerazione. Con un fisico snello e muscoloso completamente ricoperto di tatuaggi, De Niro si presenta come una figura minacciosa (e isterica) che fuma sigari, e Scorsese crea tensione immergendo l’azione in sfumature hitchcockiane (tra cui una sequenza dei titoli di apertura di Saul Bass e l’utilizzo della colonna sonora originale di Bernard Hermann). Lo scontro finale sulla casa galleggiante è memorabilmente apocalittico, ma la fonte principale di suspense è l’inquietante inseguimento di Nolte da parte di De Niro in un teatro vuoto, che risulta affascinante quanto le interpretazioni dei suoi illustri co-protagonisti. –NS

13. After Hours (1985)

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Scorsese aveva già realizzato Toro scatenato. Aveva diretto Taxi Driver. Aveva realizzato il suo grande musical sfavillante a New York, New York. E a metà degli anni ’80, il prolifico regista aveva cominciato a perdere la sua rilevanza. Così si concentrò e tornò al tipo di produzione in cui eccelleva: le vicende di New York a livello della strada. Non il tipo di lavoro elevato e cupo che aveva fatto tre anni prima in Re per una notte. After Hours segna il ritorno di Scorsese allo spirito di fare film della NYU. Con un cast di non-stelle e una sceneggiatura stravagante e ad alta tensione di Joseph Minion, Scorsese dimostrò di essere energico ed esplosivo come sempre. Un tour kaleidoscopico delle strade della New York degli anni ’80, il film è divertente tanto quanto coinvolgente, rappresentando un periodo storico di Manhattan che successivamente è stato invaso da WeWork, Starbucks e agenti immobiliari di lusso per la cultura delle startup igienizzata di oggi. —DN

12. The Aviator (2004)

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Un film sulla vita del regista, magnate delle compagnie aeree e affetto da OCD Howard Hughes avrebbe potuto essere uno dei tanti biopic di prestigio della settimana, come il Discorso del re prima che il re avesse parlato. Invece, Scorsese ha elevato questo ritratto dell’uomo che una volta è stato la persona più ricca d’America al di sopra della massa dei biografici di livello medio. Il cast stellare e incredibilmente talentuoso ha contribuito, con Cate Blanchett nel ruolo di Katharine Hepburn e John C. Reilly in quello del vice Hughes, Noah Dietrich. Naturalmente, c’è Leo, che si trasforma da giovane idolo del cinema a leggendario attore protagonista grazie al suo tris di successi con Scorsese: Gangs of New York, The Aviator e The Departed. Leo incarna in maniera straordinaria Hughes nel suo momento di gloria e tragicamente durante il declino. L’intero film è una delizia, ma una sequenza in particolare è indimenticabile. In essa, Hughes atterra un aereo a Beverly Hills, squarciando i tetti di alcune case, vivisezionandone altre con l’ala dell’aereo prima di schiantarsi in un’esplosione infuocata. Nelle mani di Scorsese, l’incidente del piccolo biposto assume l’importanza di un disastro di un Boeing 777. —GB

11. Silence (2016)

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Verso la fine della sua quarta decade di regia, Scorsese ha finalmente completato uno dei suoi progetti più duraturi e il risultato non assomiglia affatto agli altri film della sua filmografia. Sempre un avventuroso cineasta in primo luogo, l’autore aveva già preso dei rischi con film come L’ultima tentazione di Cristo e Kundun, ma Silence è un’opera a sé. Con Andrew Garfield nel ruolo di un sacerdote gesuita in Giappone, il film condivide i pesanti temi scorsesiani del cristianesimo, del sacrificio e dell’onere della colpa cattolica. Ma a parte le connessioni tematiche, Silence si distingue completamente dallo stile sensazionale e travolgente tipico dei film di Scorsese. È un film dalle sequenze lente e misurate, prive dei rapidi montaggi e degli zoom caratteristici del regista. È il lavoro di un regista più maturo e meditativo, che riflette sul quadro generale anziché perdersi nei dettagli quotidiani delle vicende di strada. —DN

10. The Irishman (2019)

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Prima che venisse finalmente rilasciato nell’autunno del 2019, parlavamo di The Irishman da più di un decennio. Il progetto passionale di Scorsese sul sicario della mafia Frank Sheeran, Jimmy Hoffa e la famiglia criminale Bufalino era in sviluppo dal 2004, ma non riusciva a ottenere finanziamenti fino a quando Netflix non ha investito una cifra enorme di 159 milioni di dollari nel film. Tra tutta quella bagaglio c’era anche la conversazione su una nuova tecnica di ringiovanimento digitale che Scorsese ha usato per raccontare una delle storie più coinvolgenti nella storia del crimine americano. È una storia con decine di personaggi, dettagli granulari e implicazioni importanti sulla oscurità che si cela sotto – o piuttosto sulla superficie – dell’America. Eppure, tra tutte queste informazioni, Scorsese riesce a trovare sfumature, umanità e tragedia tra alcune delle figure più importanti nella cultura del XX secolo. – MM

9. The Departed (2005)

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Per un attimo, dimentichiamoci del topo. Sì, quel topo che si aggira nella scena finale di The Departed. Quello stesso topo che i fan hanno persino eliminato dal montaggio perfetto del film. Corre attraverso l’ultima scena, colpendo la testa con il suo simbolismo ottuso. Ma al momento facciamo finta che quel topo non esista, perché altrimenti, The Departed è un magnifico thriller criminale. È Scorsese al suo meglio – costruendo due ore e mezza di tensione con interpretazioni sorprendenti da parte di tutti sullo schermo. Jack Nicholson sta facendo alcune delle sue interpretazioni più folli e cattive dallo Shining, mentre Leo è intrappolato e torturato in un modo che non abbiamo mai visto prima e dopo. – MM

8. The Wolf of Wall Street (2013)

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La quinta collaborazione di Scorsese con Leonardo DiCaprio racconta la vita di Jordan Belfort, un avventuriero del mercato azionario che ha sfruttato il sistema finanziario americano per il proprio guadagno stravagante. Seguendo l’ascesa del protagonista alle altezze dell’industria (e dell’immensa ricchezza) attraverso la frode senza scrupoli, The Wolf of Wall Street è una variazione da colletto bianco sui film di gangster di Scorsese, che rappresenta innanzitutto l’ebbrezza del fare la cosa sbagliata per motivi egoistici e poi la caduta ben meritata a cui tali comportamenti inevitabilmente conducono. L’arroganza sufficente di DiCaprio è divertentissima anche mentre funge da critica feroce nei confronti del suo personaggio e dei milioni di altri come lui. Il regista racconta la sua storia – attraverso la forma e il contenuto – come un esempio di eccesso americano ingordo, tutto avidità amorale e auto-giustificazioni presuntuose che sono ripugnanti tanto quanto, ai giorni nostri, troppo familiari. – NS

7. Killers of the Flower Moon

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Allora, come fa un vecchio uomo italiano – famoso per i suoi ritratti di altri uomini italiani – a raccontare una storia che, secondo certi punti di vista, non gli appartiene? Nella sua rappresentazione degli inquietanti e strazianti omicidi di Osage negli anni ’20 nell’Oklahoma, Scorsese si fa da parte.

In Killers of the Flower Moon, il regista fa tutto ciò di cui i critici dicono che Christopher Nolan non ha fatto in Oppenheimer – principalmente, commemorare le vittime del terrore americano bianco. Un montaggio iniziale mostra gli omicidi di vari individui Osage, con un narratore che ci ricorda che non c’è stata alcuna indagine su ogni crimine. Quando una casa Osage esplode nel cuore della notte, qualcuno urla: “Questo è proprio come Tulsa!”. Flower Moon non chiede tanto del tuo tempo per un senso di importanza personale, ma perché un film ordinato e lungo due ore è totalmente incapace di mostrare un briciolo del dolore inflitto ai Osage. Alla fine di Flower Moon, quando arriva quel momento – non lo spoilererò – Scorsese lo merita. Le parole significano solo un profondo dolore, pronunciate in modo che il regista non si sarebbe mai rischiato precedentemente nella sua carriera. – BL

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